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由于犯懒、拖延等种种借口，我们和唱片设计师、日系美男子AnnseyZhao的采访从年的寒冬拖到了这个暖春才完成。

Annsey不是一个健谈的人，所以这场“严肃认真，旷日持久”的采访，也有他的一部分责任。他往往越说越小声，到后来恨不得把耳朵贴到周围绵密的嘈杂里，才能寻找到他的声音。然而这并不影响我们最终聊了聊与他有关的一切：他最爱的唱片装帧设计，吐槽（是的，他的爱好之一），以及，分享了几位他崇拜的，却都有点儿像自己那般“丧”的老男人。

Annsey档案

星座：天蝎座

昵称：小安

平均每天的听歌时长：8小时

偏爱的音乐风格：后摇古典冷爵士

最常用的emoji：????

最爱吐槽的事：

我是吐槽王，跟熟人会一直叨逼叨

推荐一款音响：

Beoplay的A1蓝牙音响小巧又好用

■阿肆／《若你爱上油麻地》封面。“尝试过几个方案都不满意，最后选了数学元素和香港油麻地的经纬度来表现。”

仔细想想，我们有多久没买过一张实体CD了？如今，当我们跟人提到唱片封面，好像正在聊一张张躺在手机App里那个指甲盖大小的缩略图。

但是坐在我对面的Annsey，却正是那个为实体唱片设计封面的人。面对着眼前的似乎可以称之为夕阳产业的工作，却恒定把目标锁定在唱片封面上的这位设计师，似乎有种钻牛角尖的小众。“买CD变成一种仪式感，或者一种收藏，作为音乐的延伸物，也没什么不好。”在他看来，一张唱片的封面不应该是一张阅后即忘的图片，它还是一种时代的映射，连接着未知的音乐与歌迷间的暗号，当然，也还会影响着唱片销量的好与坏。

所以，对他而言，讨论为唱片设计封面的意义并没有什么意义，凭着一种纯粹的感受和兴趣，他想将唱片一张张做下去。不去管那个明星是大牌还是小众，也不去管赚钱还是不赚钱。

■阿肆／《我愚蠢的理想主义》。整个唱片的外壳是粉粉的颜色，打开后，却别有洞天。首先，你先会看到一个多边形的镜面，可以照见自己的脸。再往里翻，10张歌词卡被设计成三角形、不规则多边形再到圆形，颜色也是从粉色逐渐过度到凝重的深红。内页也是血红色，而盘面，则直接是一袋盛满献血的血袋。看上去，理想主义遭遇过的现实，并不如想象中那么美好。整个专辑贯穿了反讽意味。与专辑配套，设计师还定做了阿肆真人比例的3D打印玩偶，与专辑一同发售。

音乐是情绪的流动

■这些年，Annsey做过的唱片封面。

都说天蝎座是面冷心热，这么看Annsey再典型不过。看上去安静，文弱，工作上却是掌控话语权的控制狂。这些年，尽管做了很多好的商业设计，也在大型的商业品牌中游刃有余，却固执地将唱片设计当作自己的“正职”，从未间断。这些年他合作过的艺人既有李宇春、陈奂仁、羽泉、大张伟等大牌歌手，也有阿肆、旅行团、热斑这样的独立音乐人。相比起是否知名，他觉得对方是否能给到自己发挥的自由，更加重要。

AM：你觉得设计师的能力和颜值有关系吗？基于此，你属于哪个水准？??

ANNSEY：能力和颜值没关系。我……算中等偏上水平吧??

AM：聊聊你成为平面设计师之路吧？

ANNSEY：刚毕业我去了一家视觉设计工作室，接触唱片设计、青年文化杂志和一些落地的设计活动。之后跟节目组做大型舞台视觉美术和MV拍摄，整个工作状态完全不适合我。像生产快餐一样，一个礼拜要出大量设计稿，特别浮躁和表面的东西，专业层面也达不到自己的标准，感觉每一秒都在消耗过往的经验和精力。

年底吧，我决定还是回归自己感有兴趣的平面设计。在《新视线》那三年是最舒服的一段工作经历，设计语言、印刷材质和时间节奏上终于能自己掌控。而且不止是价值观的认同感，大脑每天都能感受到新鲜的刺激。

AM：每天要听歌8小时，音乐对你来说意味着什么？

ANNSEY：音乐对我来说，是和吃饭睡觉一样重要的必需品，音乐是情绪的流动，不同的时间地点应当听恰如其分的音乐。

AM：数字音乐时代，专辑封面只是APP里的一张缩略图，给唱片做设计还重要吗？

ANNSEY：实体专辑的设计更像是策划一个视觉项目或微缩品牌。好的设计，会让人有拿到手上触摸、欣赏的欲望。专辑的包装设计仍然是音乐的一部分，印刷品是有层次感的，音乐理念也可以通过材质包装、视觉设计的层次递进来强化音乐内容和品质，延伸视觉想象。所以我一直都觉得，挺重要的。

AM：作为设计师，你受益最多的一个技能是什么？

ANNSEY：专业层面是基础自然不用多说，除此之外就是沟通能力和搞定事情的能力。工作方面越来越清楚自己想要做什么，学会说不，拒绝不合适的项目。

■李霄云／《正常人》。“分别做了黑胶版和CD版。唱片设计概念是大家吃饭喝酒时碰出来的。视觉上贯彻霄云热爱的蓝色，选了一个极致的克莱因蓝。从‘正常人’这个名字出发，在摄影的时候就寻找一些非正常的，怪诞和神经质的东西找反差感，封面设计也刻意把这三个字倒放。CD版有很多细节上的设计无法描述，但是我觉得挺特别。比如材质和特殊翻页、撕开的封面、隐藏的歌词等等。由这张开始，感觉到自己可以相对成熟地使用自己的设计语言了。”

唱歌唱得好，审美不一定好

就像施德明曾盛赞DavidByrne有极高艺术审美时，顺口吐槽某些大牌歌手，“像Byrne这么牛逼的音乐人，一般都把少年时光花在地下室排练上，这有时会导致他们缺乏视觉艺术方面的审美”。

Annsey吐槽深感如是。他觉得这种现象在国内音乐人身上更严重。很多人音乐做得很棒，但在艺术审美上差劲极了，如果还要全盘把控唱片设计，结果只会一团糟。所以对他来说，一个好的项目就是“把音乐还给音乐本身”，设计师能掌握视觉表现的话语权，省略设计的形式感，用不多余的视觉设计语言把音乐表现出来。

■热斑／《无感人》。“这张CD，我把封面变成了贴纸贴在外壳上，CD盒中间夹了一张染成纯红色的PVC，下面叠了一张海报，可以折出9种不同图案的底面，盘面也做了特殊纹理的设计。”

AM：对比国外的唱片设计，国内设计状况怎样？

ANNSEY：唱片设计是以图像表意的东西，不是单纯的平面设计，有时候抓住关键的内核，差不多就成功了。大多数人对书籍或唱片的封面设计，更多的是靠直观去感知，并不会从平面设计的层面来评判它。但是我也想说，平面设计也是需要严谨和规范的，也会取决于基本功和经验的训练，对基础不扎实的人，他的感觉往往也会不到位，或者“辞不达意”。

在亚洲范围内，韩国主流唱片的设计呢，是全盘欧美化的。日本就更成熟和多元了，吸收了很多欧美的养分，但是转化成了本土化的视觉效果。总而言之，日韩都是基于标准水平线之上，再去谈创意和视觉的。国内唱片设计没有规范的行业体系，有些连流水线的设计水准也达不到，好多设计师都是“野路子”的。

还有一种现象，流行偶像会热衷于用大头照当封面，但是拍摄创意往往又跟不上，所以我现在挺喜欢帮独立音乐人做设计。其实我认为，创意和设计本身就不是民主的，我很希望能够全盘掌握设计的话语权。

AM：将音乐转化为视觉，过程中最困难的部分是？

ANNSEY：最难的是一张空白纸，要怎么一点点填上它，是填满还是留白。不同的音乐类型转化为视觉表现的方式也不太一样。流行一点的话，最重要的是策划概念要清晰，好的策划团队加上好的服装造型、好的摄影、好的视觉设计，最终才能结合得好。独立一点或者世界音乐的类型，则更需要多从音乐本身来找画面感。

■旅行团／《10Day’s》。“这是一张有纪念意义的乐队10周年专辑，我跟主唱孔阳也认识一阵子了，很喜欢他们音乐里的乐活态度。这张唱片主要功能是让排练室立体化，以及看上去像一本护照本。护照里有乐队这些年的创作手稿、照片和大事记，也给歌迷留了一部分互动空间。从挑选材质到盯印刷孔阳全程跟我一起参与，有种朋友们一起完成一件事情的成就感。”

AM：看你朋友圈几乎每天都有更新，你是严重的“低头族”吗？

ANNSEY：是的，已经养成了低头看手机恶习。朋友圈就是分享我个人喜好和日常叨叨的地方，在社交平台碎片化的分享和记录，可以保持自我认知清醒。我也有很多朋友基本不玩







































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